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Sobre nosotros


Un par de encuentros casuales en Buenos Aires alrededor de Milo Lockett, el artista plástico del momento en la Argentina, inspiraron la creación de ARTBOX Gallery. Entre vinos y asados, se unió el arte contemporáneo moderno y urbano de Tito Kabhie y la obra de Ricky Crespo, en donde al arte pop, la música y el rock se encuentran muy presentes.

Dar continuidad al Club de la Pintura fundado años atrás por estos artistas nos inspiró a crear esta caja de arte, como espacio de encuentro a través de la pintura latinoamericana, siempre dinámica, inclusiva y diversa.

Y por ello, tras su nacimiento en la Argentina ahora viaja a instalarse en México, sumando a este proyecto la maestría de Juan Sebastian Barberà , bien llamado el Picasso mexicano del siglo XXI.

Cuatro genios del arte moderno y de la pintura, todos muy iguales y a la vez todos tan distintos.

ARTBOX es más que una galería, es un espacio para vivir y sentir vanguardismo y color. Atrevida en sus propuestas, buscamos jugar con sensaciones, texturas, formatos y conceptos en una experiencia lúdica en la que, algunos por primera vez, nos acerquemos a la pintura perdiéndole el miedo o quizás el respeto, para comenzar de una vez por todas a hacerla parte de nuestra vida cotidiana.

Apostamos a que ARTBOX Gallery, itinerante en su ubicación y abierta a diversos artistas de la región, sea una experiencia inclusiva de arte, entre todos y para todos, entre quienes con pasión lo crean y la inmensa mayoría que desea disfrutarlo, pues al fin y al cabo, delante de una obra y dentro de una caja de arte, todos somos iguales.



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JP Rodríguez y Alejandro Gaitán

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El Club de la Pintura

Llevar arte para todos y a todas partes
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¿Qué es el Club de la Pintura?


Este encuentro de la comunidad es coordinado por un grupo de artistas de reconocida trayectoria y diversa extracción artística: Milo Lockett, Ricky Crespo, Tito Khabie y Manuel Paz.

Una experiencia de la que participamos todos: artistas, conocedores, iniciados, aquellos que pintan por primera vez porque siempre quisieron y nunca se animaron, los que pintan en soledad y nunca mostraron a otros lo que hacían.

Todos iguales y todos distintos, reunidos en una potente acción colectiva produce un efecto transformador en cada uno de los participantes.

La actividad tiene la característica de ser pensada cada vez, para poder adaptarse y funcionar acorde a diversas situaciones y en contextos particulares.

El Club de la pintura viene funcionando desde hace más de un año, recorriendo distintos puntos del país y convocando 100, 500 y 1000 personas por encuentro. Murales, talleres para niños, adultos, pintura en vivo, charlas, son algunas de las formas que adoptó hasta el momento y que serán reinventadas oportunamente.

El arte es un valor social y cultural y todos quedamos igualados frente a él si generamos las condiciones para que ello suceda. Llevar arte para todos y a todas partes, resistiendo la idea establecida y muchas veces impuesta del “arte para pocos y entendidos”. Este es nuestro sueño, y la razón de ser de este proyecto.

 

Milo Lockett

Artista Plástico
 

Lockett diseñó un sistema particular para sí mismo, una lógica que se distancia de las formas tradicionales establecidas; entendió que su obra necesitaba recorridos distintos para triunfar. Su lucidez consistió en identificar la necesidad de construir su figura pública como artista y en saber que este proceso autogestionado no podía depender solamente de la obra ni definirse dentro de sus límites.

En sus imágenes, tanto la impronta gráfica (que las vuelve veloces y salvajes) como el viraje sobre paletas de colores reconocibles son las claves de la percepción de los espectadores. Esta frontalidad de su mensaje amalgama el discurso interior con la obra. La discursividad aparece por fuera y la obra es funcional a ella. Su relato describe las formas de hacer y pensar las condiciones en las que este trabajo aparece. Milo recupera el aire romántico del artista moderno y propone modos masivos de acceso al arte y a la creación. Identifica en el arte de un acto de liberación y en el ser artista una herramienta social. Promueve la participación o inclusión partiendo de su historia como ejemplo posible.

Estos condimentos fueron bien recibidos por un público empático que esperaba latente la invitación: su historia es la de su ascenso como un artista que ha superado situaciones sociales y territoriales. El reconocimiento de su figura fue cuestionado puertas adentro del mundo del arte, al mismo tiempo que se afirmaba en el seno de la cultura de masas.

Esta es la vara con la que hay que medir su trabajo, como un arte de masas, el de un artista popular. Sus prácticas toman elementos de la pintura y del dibujo, pero también de los medios de comunicación, la publicidad y las nuevas tecnologías. Su obra ofrece, claramente, una experiencia característica de la sociedad de masas, que se expresa en el cambio del modo cualitativo de trabajo al cuantitativo y en la proliferación de gran cantidad de obras, acciones, proyectos de entrenamiento, proyectos editoriales o contenido audiovisuales. Su obra se vive y se consume como un espacio de participación más que de misteriosa acumulación de valor.

Esta tensión entre la alta cultura y el movimiento de las masas es la historia con la que Lockett dialoga y sobre la cual define su obra. Con ella, logra hacer visibles relaciones con el público que estaban menospreciadas, porque entiende que la obre de arte, más allá de los cánones artísticos, es una herramienta para el trabajo y la interacción con otros ámbitos, como el social, político o comercial. Estos logros convierten su carrera actual, tanto para seguidores como para detractores, en una radiografía particular de los espacios que el arte ocupa y podría ocupar en ese complejo aparato que llamamos vida cotidiana.

Máximo Jacoby

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Tito Khabie

Artista Plástico
 

La obra de Tito Khabie es una exploración de los límites de la pintura como campo expandido. La pintura como la piel de la vida, arquitectura del cuerpo y del espacio, intensidad existencial que se proyecta a todos los ámbitos: de lo privado hacia lo público como una piel social como diría Hunderwasser.

El artista -como en las cinco pieles de este autor alemán- parte del cuerpo, del surf, del skate, del street art, de la ciudad como territorio de un guerrero urbano.

El pintor es un accionador de placer y conectividad de redes de graffittis de stencil y palabras que se escriben en las paredes de la metrópolis. Por su cercanía de trabajo dentro del GIP (Grupo de Investigación Plástica) con el artista Ricky Crespo, Khabie sintiéndose influído, toma de éste sus lenguajes, semánticas y conceptos para elaborar a partir de allí una nueva obra, que dialoga así con la de Crespo.

Esta política del remix, de la palabra y subjetividades es en Tito K, la matriz para pensar su obra como una totalidad integrada. La palabra como pensamiento, como psicología de la pintura se talla de la pared, del mural al bastidor.

Su carrera como diseñador de moda y gestor cultural de tribus urbanas de surf y skate, se fusionan al pensamiento psicológico y se proyecta en las palabras concepto talladas en sus cuadros.

Citando los nuevos pintores deconstrutivos como Katharina Grosse, Sol Lewitt, Franz Ackermann, Martin Kippenberger y Jessica Stockholder y los argentinos Felipe Noé y el propio Crespo, la pintura es una expansión de sentido que habita todos los soportes vitales, desde la ropa hasta la casa, hasta llegar a la urbe como hogar social.

Tito une todas sus fuerzas y expande su deseo en la construcción de un mundo posible, una utopía real que crea el universo del arte.

Como surfer, pintor, como el creador de Da Vinci al Club de la Pintura, del mar a la gran ciudad, Khabie crea y se recrea con los colores de la vida y nos invita a habitar la pintura como la posibilidad de un nuevo mundo posible, mas intenso, aventurero y espiritual; como montar una ola.

Fabiana Barreda

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Ricky Crespo

Artista Plástico
 

Ricardo Crespo es un artista de múltiples búsquedas, un incansable explorador de nuevos lenguajes estéticos y semióticos, dueño de una obra madura, inusual para un artista joven, que se permite jugar muestra a muestra, patear el tablero y encarar su obra desde un lugar diferente, podría decirse empezando de cero, pero en realidad es que Ricardo Crespo empieza un casillero más adelante.

Desde el minimalismo del pop hasta una expresión actual y la alusión a la gráfica callejera y de "rock flyyers", el impacto del poster y de los mecanismos de venta del consumo, las obras poseen un dramastismo marcadamente contemporáneo que le permiten a Ricardo Crespo hablar de la vida y todo lo que la compone: el amor, el odio, la esperanza, la vanidad, la muerte, que suceden ante nuestros ojos como en un juego de niños, remotando lentamente la montaña rusa, preparándonos para el sacudón de la niñez y adolecencia que nos recuerdan el poder que alegamos en nosotros, guiados sólo por nuestros sueños e ilusiones.

Entre sus referentes artísticos encontramos a Andy Warhol, Neo Rauch, Alberto Greco y Guillermo Kuitca. Sus numerosas muestras individuales y colectivas lo han llevado a exponer en lugares como Palais de Glace, CC Recoleta, CC Borges, CC Rojas, Casa de la Cultura, Dirección General de Museos, Casa Rosada (en el marco de la conmemoración de los 25 años de democracia) y Embajada Argentina en Chile. Además formó parte de ArteBa y Bada.

Arq. Federico Platener

Para Ricky "El arte nos iguala a todos, delante de cualquier obra, tanto el príncipe como el mendigo pueden estar compartiendo ese momento y capaz los dos sintiendo la misma emoción o el mismo rechazo. No me parece que el arte tenga que ser una cosa de élite, los museos del mundo en los últimos años han cambiado mucho, abrieron sus puertas al gran público y actualmente son los lugares más visitados".

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Juan Sebastián Barberá

Artista Plástico
 

Juan Sebastian Barberá nació en la ciudad de México en 1964 y en sus primeros pasos inundó con su obra los muros de la cafetería de la muy conocida librería Gandhi, punto de reunión de reconocidos artistas e intelectuales. A partir de los años noventa desarrolló proyectos atractivos y novedosas exposiciones. Vivió en Viena, Madrid, Barcelona y París, donde estuvo en contacto con múltiples expresiones plásticas.

El estudio de los grandes maestros de la pintura universal como Klimt, Schiele, Goya y Picasso le permitieron enriquecer y plasmar su arte a través de miles de dibujos, grabados acrílicos, óleos, esculturas y arte objeto. Su obra ha integrado más de 60 exposiciones en España, Francia, Israel, India, Estados Unidos, en todos los países latinoamericanos, en la colectiva «Iberoamérica pinta», organizada por la UNESCO y, por supuesto, en México.

Además, sus creaciones forman parte de diferentes colecciones públicas y privadas y han sido reproducidas en reconocidas publicaciones entre ellas Los conjuros, polígrafa de Barcelona 1994; La vida y sus dibujos, German Dehesa, 1995; Periolibros, 1997 con Casi un Objeto de José Saramago y su anuario 1989-2002. Recibió el tercer premio en la categoría al mejor libro de arte editado en el 2008 al titulo "JUAN SEBASTIAN Historias pintadas y cuentos de amor" por el Ministerio de Cultura de España.

Poseedor de gran talento y reconocido en el ámbito cultural contemporáneo, Juan Sebastián y su obra destacan en la Colección de la Casa Real de España, así como en el Patrimonio Nacional Mexicano, ya que participa en el programa de pago en especie del Sistema Nacional de Creadores Mexicanos.

Dr. Enrique Agüera Ibáñez

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Artistas invitados